從看電影到“玩”電影，電影技法究竟如何在遊戲中融合和應用

與剛剛誕生時相比，如今電子遊戲產業無論是發展勁頭、製作方式還是娛樂興奮點上都開始逐漸向“第九藝術”的定義靠攏。作為極度依賴技術發展的產業，隨著數字工業技術爆發似的發展，電子遊戲開始逐漸成熟並且呈現出融合其他藝術形式的趨勢，而在各方面“相性”都極具共通性和互補性的電影藝術則首當其衝。

索尼作為將遊戲以電影化敘事手法展現的大戶，旗下《底特律：成為人類》《最後生還者》等一系列大作都得到了玩家的廣泛好評，而PS4收官大作《最後生還者2》雖然遭遇了劇透和跳票等種種挫折，也因為製作上的過硬水平得到了各大遊戲媒體的一致好評。2020年，Square Enix的《最終幻想7RE》、Monolith Soft的《異度神劍：決定版》也大量引入了電影化表現手法，遊戲藝術的電影化融合已經成為了一個不可逆的趨勢。


先說一句，“電影技法”的融合是一個思路，不僅僅限定於3A遊戲哦。

一、遊戲技術發展帶來的必然結果

電子遊戲非常重視“沉浸體驗”，尤其從RPG誕生開始，以“劇情”作為主要線索的表現手法更是加深了玩家的沉浸體驗感覺，從此遊戲與電影開始產生了密不可分的聯絡，甚至有人開始將RPG稱為“互動電影”。

當然，彼時2D為主的畫面在人機互動上仍然存在著微妙的割裂感，引領玩家探索前進的要素更多側重於劇本和遊戲系統，與“電影”能扯上關係的最多就是幾張插畫。然而隨著遊戲機3D機能的逐漸強大，大量精美的CG動畫和劇情演出隨之引入使得遊戲的表現力開始大幅增加。


弗洛伊德曾表示:“富於想象力的作家創造了一個自己的世界，他按照使他中意的新方式，重新安排他的天地裡的一切。”日漸成熟的3D技術無疑給了藝術家們更多的發揮空間，1997年決定初代PlayStation勝利的RPG名作《最終幻想7》，用出色的3D畫面和巨集大的世界構造，告訴了玩傢什麼叫做“華麗”，而在任天堂以不朽名作《塞爾達傳說：時之笛》樹立了3D遊戲普遍的操作方式——第二人稱自由（背後）視角操作之後，玩家探索的自由度、目之所及的場景都開始成倍增長，使得遊戲製作人可以更加自由地創造自己的心目中的天地，鈴木裕創造的沙盒RPG鼻祖大作《莎木》則充分展現了遊戲世界存在的無限可能性。


CG技術推動了電子遊戲和電影的融合，2000年前後大量3DCG動畫開始加入遊戲，甚至遊戲業界已經開始利用CG技術製作電影，阪口信博耗時4年重金打造的大電影《最終幻想：靈魂深處》雖然用1.42億美元打了一個漂亮的水漂，但從畫面角度看來卻仍算得上是頂級表現，5年後同樣是SE出品的《最終幻想7BC》則獲得了廣泛好評，充分展示了遊戲與電影之間的高度融合性。

遊戲硬體的提升給了藝術家們更多創造的空間，《鬼泣4》在公佈之初曾大力宣傳無縫連線技術，即CG動畫後無需載入讀盤畫面立即進入戰鬥畫面，進而提升玩家參與劇情的熱情；真人配音技術早已是遊戲的必備要素，人臉掃描也逐漸成為了3A大作必經的“手續”之一；次世代主機大力宣傳的光追和SSD技術則將遊戲表現向著“更高更快更強”繼續推進。


隨著電影拍攝逐漸“綠幕化”，遊戲技術和電影技術之間似乎只隔著一張窗戶紙，彼此之間的大量融合和借鑑開始變得繁多起來，無論是製作精度、製作體量甚至是時間和金錢的投入，雙方都開始互相對標——比如跳票了一次又一次的《賽博朋克2077》。遊戲的“電影化”開始變得稀鬆平常，未來的遊戲已有轉向大規模電影化製作的趨勢。

二、電影手法對於遊戲表現力的提升

小島秀夫一般被認為是遊戲電影化之父，雖然現在小島監督總被冠之“已經在做了”的名號，但其遊戲電影化的功力至今仍是業界翹楚。1997年，小島秀夫在E3上展示的《METAL GEAR SOLID》讓人驚呼“互動式電影”時代來臨，而其最為人稱道的一點就是對鏡頭的深刻理解。


鏡頭是電影技法在遊戲中最典型的運用，從1973年NASA Ames開發了歷史上第一款第一人稱視角“三維”遊戲《迷宮戰爭》，效仿的就是電影中的主觀鏡頭，而為了彌補第一人稱視角在觀察範圍和距離上的缺陷，又效仿電影的雙人過肩鏡頭開發了“過肩視角”，近些年《生化危機3RE》《戰神4》以及大量第三人稱射擊遊戲中十分常見，加上前文提到的背後視角和“上帝視角”，基本上構成了遊戲的基本視角。與電影通過佈設攝像機達到模擬視角的效果不同，遊戲將視角使用進行了進一步延伸，能夠完成很多電影中不能完成的靈活操作。

除了玩家可以自由操作的鏡頭之外，為了表現特定場景，在遊戲的過程中還會強制更改機位，並採取搖鏡頭、跟蹤鏡頭、特寫鏡頭等方式提升遊戲氛圍。2020年初大作《最終幻想7RE》中，克勞德與艾麗絲從教堂向第五區逃亡的過程中，為了表現地形的危險，採取了大量的推拉和跟蹤鏡頭，導演還恰到好處地使用了前景遮擋和背景貼圖，不僅營造了貧民窟的蕭條，還反襯了艾麗絲的樂觀，達到了一種微妙的和諧。


近些年，電影中的剪輯手法也開始在遊戲中得到了大量運用，比如最具遊戲特色的遊戲選單功能如今已被製作人們玩出了花樣，比如《女神異聞錄5》的遊戲選單中，心之怪盜團各種花式炫酷動作讓很多玩家都覺得非常新鮮。

而傳統的電影剪輯手段也在遊戲中得到大量運用，比如在推進遊戲主線劇情過程中，依靠“畫中畫”提供更多的相關資訊；比如《刺客信條》《異度神劍》等通過閃回的方法，將蒙太奇運用到遊戲的流程中以凸顯人物的背景和精神狀態等；再如《鬼泣5》《鬼武者3》等遊戲，操作多位主角推進故事流程的做法，本身就採用了平行蒙太奇的思想等，這些技法的運用在表現力上無疑爆了舊時代單線劇情好幾條街。


然而，遊戲在運用電影技法的過程中仍有許多不得不去考慮的因素，在沉浸體驗和互動方式上，比起電影被動灌輸導演的想法，遊戲則是一種更加主觀的參與，同時因為遊戲在流程上必定存在著探索的過程，因此出於氛圍營造和心理誘導等方面考慮，遊戲會更多地考慮用好長鏡頭（遊戲主要操作都是在長鏡頭背景下完成的），而過多地使用特寫鏡頭等特效，則可能會造成遊戲節奏的拖沓。

說回小島秀夫，他對於電影技法的理解無疑是業內頂尖的，甚至有人說小島監督去好萊塢也能做個三流導演，但在遊戲中運用了大量的CG播片也同樣被很多玩家的詬病，這是過多電影技法的弊端——而遊戲“電影化”的弊端不止於此。

三、電影手法過度融合帶來的問題

法國著名刊物《電影手冊》編委讓-米歇爾·弗羅東，在2005年發表的《電影的不純性——電影與電子遊戲》一文中指出:“大眾類的電影參照電子遊戲和其他視聽工業產品的模式，日益趨向於製造一系列壯麗場面;通過爆炸和搏鬥的場景描繪，以及著重突出瞬間炙烈感情的場景描繪，不斷刺激觀眾的腎上腺素的分泌。”如今15年已過，從《阿凡達》到漫威電影宇宙的發展過程中，讓我們切實感受到了電子遊戲語言和電影融合的腳步，但更深度的融合也帶來了各種各樣的問題。


電影藉助遊戲的表現手法無疑構建起了拍攝電影的新思路，但也間接促成了更多“打怪升級”似的爆米花電影的誕生，很多從業人員已經表現出對“綠幕流水線”的擔憂，而造成這一情況的主要原因還是在於遊戲的敘事方式的表現手法，很難濃縮排2小時的電影中，反過來，電影的表現手法也不能全部融進遊戲中，二者在內容創意、故事設定和文化想象等方面其實有著較大的區別，“大量播片”就是全部照搬最直接的體現。


而隨著現金技術的提升，無論是遊戲還是電影都容易陷入“炫技”陷阱而忘記了製作的初心，毫無疑問，電影化的3A遊戲在場景表現、演員表現、劇本描述以及音樂渲染等方面都達到了業界頂尖水平，對於世界的還原極為真實而鮮活，但往往到了最後卻忽視了最體現遊戲價值的“遊戲性”，比如《底特律：成為人類》等遊戲，雖然在結束遊戲後會引發玩家強烈的思考，但遊戲玩法卻往往被忽略掉了，相比之下同以“選擇”作為推進遊戲主要動作的《逆轉裁判》，玩法上給很多玩家留下深刻印象，這就是遊戲電影化過分重視技術的體現。


另外，重視電影化表現的遊戲往往需要耗費大量的人力物力，之前R星傾全力打造《荒野大鏢客：救贖2》，一度陷入了“加班門”事件；“波蘭蠢驢”集中全部力量打造《賽博朋克2077》已經多年，也代表著一旦遊戲失敗就會血本無歸；《最後生還者2》歷經多年打磨，最後捲入了“劇透門”，導致玩家差評如潮，這些都表示著遊戲的投入產出比是一個比較嚴重的問題。這麼多年過去了，遊戲的價格卻沒有任何改變，在保持多年60美元的大背景下，確保遊戲質量和銷量對於任何一家3A廠商來說，都是一個不小的難題。

寫在最後

電子遊戲在探索發展的歷程，就是一個不斷借鑑電影技法的歷程，毫無疑問“電影化”有效地提升了遊戲的表現力和玩家的參與感，在業界競爭更加激烈、硬體換代即將到來的時代，可以預見未來遊戲向電影借鑑融合的力度將越來越大，“第九藝術”的未來如何真叫人期待。

作者：低段位玩家
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